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LEONORA CARRINGTON
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Parcours accompagnant l'article publié dans la Lettre n°637 du 29 mars 2026 |
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Légendes en cours de finition. Merci de revenir plus tard.
Créatrice à l’imagination singulière, Leonora Carrington (Clayton-le-Woods, Lancashire, 1917 – Mexico, 2011) a su fusionner l’art, la littérature et la vie dans une série de cosmologies personnelles façonnées par les idées de métamorphose, de réinvention et de quête. Elle a mené une vie en décalage avec son époque: exilée, mère, survivante de la violence et des abus de la psychiatrie du XXe siècle.
Tout au long de sa carrière, Leonora Carrington n’a cessé de naviguer à travers les savoirs ésotériques, les croyances oubliées ou les formes hétérodoxes de la connaissance, qui cherchent à changer la place des femmes dans l’Histoire. Elle s’est nourrie d’influences aussi diverses que la peinture de la Renaissance italienne, la littérature victorienne, l’alchimie médiévale et la magie. Cette exposition aborde les thèmes qui traversent son œuvre : le traumatisme et l’introspection, les origines familiales, le déracinement, les figures féminines mythiques, l’écoféminisme… Plus d’un siècle après sa naissance, Leonora Carrington s’impose comme une référence essentielle pour comprendre le monde d’aujourd’hui : son héritage bouscule les normes établies et invite à de nouvelles lectures d’un parcours de vie à la fois intime et universel.
Tere Arcq et Carlos Martín
Commissaires de l’exposition.
1 - Aux origines d'un
GRAND TOUR INTÉRIEUR
Les débuts artistiques de Leonora Carrington ont été marqués par sa jeunesse passée dans l’Angleterre du début du XXe siècle et par un séjour initiatique à Florence au début des années 1930. Dès son enfance, nourrie de contes de fées, de littérature fantastique et d’histoires que lui racontait sa mère irlandaise, elle a développé un goût subtil pour le fantastique et l’invention d’autres mondes. Ce goût apparaît déjà dans son cahier d’enfant Animals of a Different Planit [Animaux d’une autre planite], une œuvre prodigieuse combinant science et pure imagination.
Après avoir été systématiquement renvoyée de plusieurs écoles catholiques, Carrington part pour son Grand Tour en Italie. Malgré une exposition directe aux chefs-d’œuvre de l’histoire de l’art, sa production à l’époque (elle a à peine quinze ans) se réduit à la série Sisters of The Moon [Sœurs de la lune] et à des aquarelles qui font référence à l’imagerie de son enfance plutôt qu’à une quelconque influence toscane: des femmes imaginaires et puissantes, dotées d’un savoir énigmatique, créent une sorte de cosmogonie dominée par le féminin et par des créatures fantastiques qui coexistent avec les êtres humains. Néanmoins, de ces œuvres de sa prime jeunesse émergent déjà des thématiques profondes qui l’accompagneront toute sa vie: la sororité, l’imagination narrative, la composante littéraire, l’invention de mythologies et certains intérêts ésotériques, pour le tarot notamment.
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Collection particulière. © 2026 Estate of Leonora Carrington / ADAGP, Paris. © NSU Art Museum Fort Lauderdale.
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Chronologie et vidéo
2 - LA MARIÉE DU VENT
Un voyage transnational à travers le surréalisme
Dans le prologue qu’il écrit pour l’une des histoires de Carrington, Max Ernst, son compagnon pendant sa période surréaliste, qualifie Leonora de «Mariée du Vent». Marquée par l’exposition surréaliste à Londres et sa rencontre avec Ernst, Carrington commence son parcours artistique en 1936. Contre la volonté du père de Leonora Carrington, le couple trouve refuge à Paris, puis dans le village isolé de Saint Martin-d’Ardèche. Il y crée une maison – «œuvre d’art totale», qui intègre la vie quotidienne, la peinture, la sculpture et la littérature. Carrington y exerce son imagination sur les portes et les fenêtres tandis qu’Ernst
Cette période prend fin brutalement avec la Seconde Guerre mondiale: Ernst est arrêté comme «étranger ennemi» et leurs chemins se séparent. En 1940, bouleversée, Carrington s’enfuit en Espagne. Victime d’un viol collectif à Madrid, elle est internée dans un sanatorium à Santander, où elle est soumise à un régime sévère. Cette expérience extrême, vécue entre lucidité et folie, marque profondément son œuvre, qui devient plus sombre et plus hermétique. Quelques années plus tard, Carrington reviendra sur ces événements dans un texte poignant intitulé En Bas. En 1941, elle se réfugie à New York, où elle retrouve la communauté surréaliste en exil et approfondit l’iconographie qu’elle avait développée en Europe, lui donnant une plus grande complexité comme pour surmonter son propre traumatisme. Marquées par l’expérience de l’exil et du déracinement, les œuvres de cette période reflètent les traces de la guerre, de la maladie et de la perte.
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3 - DÉPAYSEMENT
Mémoire des origines, nostalgie des rivages
En 1942, Leonora Carrington s’installe dans ce qui sera son pays pour le reste de sa vie: le Mexique, où elle retrouve une communauté d’exilés européens. Dans la seconde moitié des années 1940, sa peinture connaît une transformation radicale à la suite de plusieurs événements, notamment la création d’un foyer et, surtout, la maternité. Les images de la demeure de son enfance refont surface, évoquant des visions fantomatiques et des souvenirs sombres. Mais la maternité lui insuffle aussi une intense impulsion créatrice: sa nostalgie de l’Angleterre et son retour aux sources s’expriment sous la forme de scènes familiales, de pastorales et d’images oniriques.
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4 - LE VOYAGE DE L'HÉROÏNE
Le titre de cette section est emprunté à Joseph Campbell, un spécialiste de la mythologie qu’admirait Leonora Carrington, célèbre pour avoir imaginé «le voyage du héros», une structure narrative inspirée des travaux de Carl Gustav Jung. Lorsque la psyché se dissout, l’individu a besoin de trouver une voie nouvelle. Il doit se lancer dans un voyage héroïque, dans une quête vers l’éveil de sa conscience. Les œuvres choisies ici proposent une lecture du parcours de Carrington comme une transcription féminine du «voyage du héros». Ainsi que le remarque son fils Gabriel, elle était «toujours en quête de cartes intérieures à même de l’aider à naviguer dans sa vie visionnaire et ses démons intérieurs». Sa feuille de route était une cartographie riche et complexe de mythes ainsi que de traditions mystiques et spirituelles englobant des enseignements à la fois anciens et contemporains.
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5 - L'OBSCURITÉ LUMINEUSE
André Breton, le chef de file du surréalisme, disait de Leonora Carrington qu’elle était une «sorcière […] au regard velouté et moqueur». Cette formule traduit l’intérêt et la fascination pour l’occultisme que Carrington avait en commun avec d’autres surréalistes. Ceux-ci ont en effet redécouvert la magie, le tarot, l’alchimie, l’astrologie, le spiritisme et d’autres traditions ésotériques de l’Antiquité jadis réservées aux initiés. Le titre de la section est tiré des écrits de Joseph Campbell qui établissent une analogie entre l’initiation à l’occultisme et «la nuit noire de l’âme qui précède la révélation». Jusqu’à récemment, cet aspect a été relativement peu exploré, en partie parce que Carrington a créé un langage unique et complexe mais a refusé d’expliquer ou de clarifier ses multiples influences. Le mystère qui l’entoure n’est guère surprenant, dans la mesure où la plupart des voies ésotériques exigent le secret et résistent, par leur nature même, à toutes les catégorisations et représentations faciles. Parfaitement consciente de cet impératif, Carrington a soigneusement intégré dans ses compositions des incantations, des signes cabalistiques, des diagrammes et autres symboles magiques, obscurcissant souvent leur finalité et leur signification derrière des récits ludiques conçus pour dérouter les personnes peu familières de ces traditions.
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Famm, Femmes Artistes du Musée de Mougins. © 2026 Estate of Leonora Carrington / ADAGP, Paris. © Courtesy Gallery Wendi Norris, San Francisco.
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Peggy Guggenheim Collection. © 2026 Estate of Leonora Carrington / ADAGP, Paris. © Peggy Guggenheim Collection, Venise.
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Inspirée par une expression forgée par l’historienne de l’art Susan L. Aberth, cette section montre comment Carrington a intégré diverses traditions magiques en faisant appel à un symbolisme ésotérique et en exprimant les idées complexes d’altérations temporelles et spatiales qui entourent la «cuisine alchimique». Cuisiner devient une métaphore des opérations hermétiques et la cuisine, traditionnellement associée à un travail féminin contraint, devient un espace où les femmes peuvent retrouver leur pouvoir grâce à l’alchimie, à la magie et à la sorcellerie. L’intérêt profond de Carrington pour l’alchimie ressort avec évidence de l’iconographie de nombre de ses œuvres, mais aussi des médiums qu’elle utilise. Au milieu des années 1940, par exemple, elle commence à expérimenter la technique médiévale de la tempera à l’œuf, qui lui permet d’obtenir des tons riches et chatoyants. Faisant le lien entre la cuisine et la magie, son mécène Edward James, décrit avec justesse ses peintures comme «non seulement peintes, mais aussi concoctées. Il semble parfois qu’elles se sont matérialisées dans un chaudron sur le coup de minuit». Au Mexique, la passion culinaire de Carrington, qui avait commencé pendant les années idylliques passées à Saint-Martin-d’Ardèche, s’enrichit de la découverte de nouveaux ingrédients fascinants utilisés pour la préparation des aliments, mais aussi de diverses herbes et plantes vendues au marché aux sorcières de Sonora, à Mexico, pour concocter des philtres et des potions. Le cadre de ces expériences alchimiques offre une grande diversité, depuis la cuisine typique de la région de Puebla, au centre du Mexique, remplie de symboles magiques, jusqu’aux rituels celtiques dans la forêt en l’honneur de la Grande Déesse.
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