|
BERTHE MORISOT
|
|||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||
|
Parcours accompagnant l'article publié dans la Lettre n°483 du 10 juillet 2019 |
|---|
Née dans un milieu que son ami Renoir qualifiait d’« austèrement bourgeois », mais ouvert aux arts, Berthe Morisot affiche très tôt un goût de l’indépendance que reflètent sa carrière, au coeur des avant-gardes, et sa peinture, une des écritures les plus novatrices de l’impressionnisme.
Figure centrale du mouvement, elle participe à toutes les expositions du groupe, sauf celle de 1879. Elle travaille jusqu’à sa mort prématurée en 1895, laissant un ensemble d’un peu plus de quatre cents tableaux.
Cette exposition veut marquer une nouvelle étape dans la diffusion et la connaissance de Morisot en proposant et en suscitant de nouvelles approches, tout en déjouant les clichés d’une peinture « féminine » encore attachés à son oeuvre. L’exposition se concentre sur une facette essentielle de sa création : les tableaux de figures et les portraits.
Pour Morisot, portraits et tableaux de figures sont autant de scènes de la vie moderne. Elles se caractérisent par ce que la grande historienne de l’art, récemment disparue, Linda Nochlin, appelait de « stimulantes ambiguïtés ». Elles s’expriment tant du point de vue des modèles que des espaces mis en jeu et en scène, et d’une technique audacieuse et énergique, qui vise à suggérer plutôt qu’à décrire.
Près de la moitié des tableaux réunis ici sont issus de collections particulières et certains n’ont pas été vus en France depuis plus de cent ans. Le parcours, chronologique et thématique, invite à s’interroger sur les sujets représentés (la mode, la toilette, le travail), qui traduisent en effet le statut de la femme au XIXe siècle, mais aussi sur la technique unique de Morisot (le plein air, l’intérieur, l’importance des espaces intermédiaires tels les fenêtres, le fini). Ses tableaux sont une exploration de l’identité moderne que Morisot peint comme un équilibre fragile, sur un mode à la fois paisible et intranquille, lumineux et mystérieux, exigeant et poétique.
La première moitié des années 1870 est décisive. Morisot accorde alors à la figure une place centrale dans son oeuvre. Sa soeur et compagne de peinture, Edma, en est le modèle de prédilection. Elle pose aussi bien en extérieur qu’en intérieur. Il s’agit pour Berthe Morisot de peindre le monde qui l’environne tel qu’il est. En 1876, dans un texte qui passe pour le manifeste de l’impressionnisme, le romancier et critique Edmond Duranty place au centre de ce qu’il définit comme « la nouvelle peinture » la représentation de la figure moderne dans un intérieur : « Notre existence se passe dans les chambres ou dans la rue », écrit-il.
C’est ainsi que la sphère domestique, qui relevait de la scène de genre, inférieure et méprisée, et constituait un sujet et un espace assignés aux femmes, est investie par les impressionnistes, en particulier Degas, Caillebotte, Cassatt, Morisot, Renoir et Monet au début de sa carrière.
Chez Morisot, les personnages à la fois présents et absorbés dans leur rêverie confèrent une silencieuse poésie et une part de mystère à ces scènes de la vie moderne.
Berthe Morisot (1841-1895). Cache-cache, 1873. Huile sur toile, 46,3 × 55,2 cm. S.b.d. : Berthe Morisot. From an American Friend of the musée d’Orsay.
2 - « Mettre une figure en plein air »
Le plein air est indissociable chez Morisot de la représentation de la vie moderne. Ces scènes bourgeoises du XIXe siècle reflètent certes le quotidien de l’artiste, mais elles constituent tout autant des terrains d’expérimentations plastiques privilégiés. La facture est nerveuse ; le pinceau, graphique, met en place les principaux repères et les personnages, parfois simplifiés à l’extrême et réduits à quelques touches schématiques de couleurs. Mettant l’artiste au défi avec ses incessantes variations, la lumière extérieure contraint à une exécution rapide, synthétique, économe de ses moyens, une « impression », pour être toujours en phase avec un motif fugace. Néanmoins, Morisot a certainement terminé dans l’atelier des tableaux commencés en extérieur.
Paris, musée d’Orsay, Inv. RF 1937 45.
3 - Femmes à leur toilette
4 - Le « beauté de l'être en toilette »
« Cette beauté de l’être en toilette, cela avec nos visages si expressifs, n’est-il pas aussi intéressant, aussi solide, aussi humain, aussi naturel que le nu grec ? » Pour les impressionnistes, la mode et le vêtement moderne sont des éléments essentiels de la « nouvelle peinture ». La mode des tableaux de Morisot n’est pas celle des grands couturiers : elle dépeint les robes élégantes, adaptées par des couturières ou des magasins de prêt-à-porter, pour des jeunes femmes de la grande bourgeoisie parisienne, qui, comme l’artiste, ne font peut-être pas la mode, mais la suivent.
À la fin des années 1870 et au début des années 1880, le cadrage se resserre sur les modèles, la figure conquiert une ampleur inédite et devient le sujet principal du tableau. L’identité de ces modèles professionnels – Morisot ne puise plus dans le cercle familial et amical – nous est inconnue, ajoutant au mystère de ces jeunes femmes. De même, les robes y sont plus suggérées que décrites. Les cols, jabots, fleurs, accessoires, étoffes ou fourrures des toilettes modernes sont autant de prétextes à déployer une touche nerveuse et allusive, coups de pinceau rapides, lignes brisées, grattages et reprises, en somme une technique qui est le contraire de la grâce induite par le sujet représenté.
Ces figures en buste forment comme une suite dans l’oeuvre de Morisot qui les présente aux expositions impressionnistes, où elles remportent l’adhésion critique. C’est avec l’une d’elles, Jeune Femme en toilette de bal, que l’artiste fait de son vivant son entrée au musée.
5 - Fini / non fini : « Fixer quelque chose de ce qui passe »
Selon un procédé cher à Morisot, les angles et parfois les pourtours de la toile ne sont que peu ou pas recouverts de peinture, la touche se fait toujours plus lâche dans les angles précisément, et c’est parfois la toile à nu, sans préparation, que l’artiste laisse apparente. Un journaliste la surnomme en 1880 « l’ange de l’inachevé ». Cette absence de fini n’est, dans le cas de Morisot et contrairement aux autres impressionnistes, pas toujours envisagée par la critique de l’époque comme un projet artistique, mais souvent comme le signe d’une timidité et d’une indécision toutes féminines. Pourtant, à y regarder vraiment, c’est moins l’incertitude que la détermination et l’autorité qui s’imposent. L’artiste s’affirme comme la seule à décider si un tableau est achevé ou non.
C’est que le « non-fini » est au coeur de la démarche artistique de Morisot et de sa vision du monde. La surface du tableau est mobile et énergique, jouant des effets de déséquilibre. Plus radicale encore, Morisot intègre au rendu final et exploite visuellement les traces de la mise en oeuvre et de la progression de son travail.
Tout se passe comme si cette technique, complexe et vigoureuse, assurée et personnelle, spontanée et maîtrisée, mettait en scène une course contre le temps, l’esthétique de l’« oeuvre en devenir » inscrivant une temporalité dans le monde immobile du tableau. L’impression de rapidité est aussi une tentative chez Morisot de refléter et d’endiguer la fuite du temps.
6 - Femmes au travail
Copenhague, Ny Carlsberg Glyptotek, NCG MIN 2715. © Ny Carlsberg Glyptotek, Copenhagen.
7 - Fenêtres et seuils
De nombreux historiens y ont vu l’expression du cantonnement des femmes à la sphère domestique, l’accès à l’espace public étant limité pour les femmes « convenables » et la rue vue depuis le cocon protecteur de l’intérieur. Mais chez Morisot, et tout particulièrement dans la suite des tableaux de Bougival, intérieur et extérieur s’interpénètrent et se prolongent souvent. La végétation abondante du jardin semble envahir la pièce et transforme l’arrière-plan en une sorte de surface décorative.
Pour une impressionniste passionnée par les interactions du plein air et de la figure, fenêtres, vérandas ou jardins d’hiver offrent également une source de lumière naturelle filtrée et mieux maîtrisable qu’en extérieur.
Ces « seuils » sont propices à des mises en espace complexes, novatrices et poétiques où l’on perd ses repères. Par ces jeux de construction, l’artiste échappe aussi définitivement à la description et au récit.
Enfin, ces dispositifs spatiaux, ces fenêtres qui s’ouvrent vers l’extérieur et le « cadrent », introduisent autant de tableaux dans le tableau qui sont aussi des métaphores de l’acte de voir.
8 - Un atelier à soi
Les intérieurs de Morisot, assimilables à des projections de l’intériorité, de la musique jouée par les modèles ou de leurs rêveries, se déréalisent : « Le rêve c’est la vie – et le rêve est plus vrai que la réalité ; on y agit soi, vraiment soi – si on a une âme elle est là. »
Berthe Morisot (1841-1895). Lucie Léon au piano, 1892. Huile sur toile, 65 × 80 cm. S.b.g. : Berthe Morisot. Collection particulière.
