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ANITA MOLINERO
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Parcours accompagnant l'article publié dans la Lettre n°551 du 6 juillet 2022 |
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Cabane en polychlorure de vinyle, bois, 400 x 450 x 150 cm. Collection Alain Gutharc, Paris
Anita Molinero est l'une des rares artistes françaises de sa génération à ne s'exprimer qu'à travers la sculpture. Bien que s'attaquant à des matériaux dits « non nobles » - produits et résidus du monde industriel -, l'artiste envisage depuis toujours cette pratique dans son sens classique : aborder le support par le modelage, la déformation, la perforation, pour en faire surgir une œuvre. Tout en revendiquant ce « classicisme » sculptural, souvent qualifié de « viril » au fil de l'histoire de l'art, Molinero y adjoint la puissance d'outils mécaniques. Entre abstraction et anthropomorphisme, ses œuvres font s'interroger sur le statut de l'objet à l'ère post-Tchernobyl. En effet, à travers sa sculpture, l'artiste cherche à permettre d'envisager « le caractère toxique de l'invisible ».Le parcours d'Extrudia s'articule en deux temps. La première partie est dédiée aux œuvres réalisées entre 1990 et 2015; les époques, les typologies et les sujets se croisent afin de mettre l'accent sur la trace des gestes laissés par l'artiste. La seconde partie de l'exposition est, quant à elle consacrée aux œuvres produites entre 2015 et aujourd'hui et invite à une plongée dans une iconographie entre iconoclasme et film de genre.
L'exposition est complétée par deux salles dans le parcours des collections permanentes, dévolues au travail d'atelier de Molinero et à son approche quant au devenir de ses sculptures. Des images d'archives - vidéo inédite d'Aline Dalbis et photographies d'œuvres disparues - viennent faire écho à la projection d'un film expérimental intitule Extrudia 3D (2021), tourné en 3D sous la direction artistique d'Anita Molinero et José Eon.
Les cartels développés présentent tous des extraits de conversation avec l'artiste racontant l'histoire des œuvres.
C’est principalement par la torsion de la matière que Molinero façonne ses sculptures. L’artiste adapte le choix de la machine qu’elle utilise selon sa taille et sa résistance. Pince de casse automobile, décapeur thermique ou fil à chaud sont utilisés pour créer les courbes et les replis de ces matériaux. Elle y emprisonne le mouvement et pérennise ainsi l’éphémère. Mais comme l’explique l’artiste : « Je sais avec quoi je veux travailler, mais pas quelles sculptures cela va donner ». C’est en cela que l’œuvre de Molinero s’apparente au manifeste Anti Form de Robert Morris qui, en 1968, met en avant le procédé selon lequel l’artiste délègue à la matière le choix artistique et le geste.
25 x 60 x 30 cm chaque module. Frac-Artothèque Nouvelle-Aquitaine, Limoges.
Courtesy de l’artiste et de la Galerie Christophe Gaillard, Paris.
L’un des gestes caractéristiques de Molinero consiste à accumuler les éléments pour faire ressortir leur aspect sculptural, en les extrayant de leur contexte et en les soustrayant à leur fonction usuelle. L’agglomérat, la répétition de la forme, tend à transformer la matière en sculpture. Les objets issus de la fabrication industrielle deviennent contre-fonctionnels. Avec cette typologie d’œuvres, Molinero s’inscrit dans la continuité des Nouveaux réalistes (Yves Klein, César, Arman) qui, dans les années 1960, mettent en lumière la production de masse du monde contemporain en faisant de l’objet manufacturé, un matériau à part entière.
Que ce soit au lance-brûleur ou au chalumeau, l’utilisation du feu est au centre de la pratique de Molinero. À la différence des outils du peintre, le feu retire la matière ; mais loin de vouloir la détruire, l’artiste la façonne. Elle brûle, fond, étire le support plastique et y insuffle une énergie qui métamorphose la matière de manière irréversible.
PILULE ROUGE OU PILULE BLEUE
Le titre de cette section, clin d’oeil au film Matrix des soeurs Wachowski (sorti en 1999) cher à l’artiste, fait référence au choix de découvrir une vérité qui peut être dérangeante – en prenant la pilule rouge – ou à la volonté de rester dans l’ignorance – en prenant la pilule bleue. Anita Molinero se fait conteuse et nous propose une plongée dans un univers cinématographique, à la croisée de David Finsher et James Cameron. On y retrouve ses productions récentes, toujours empreintes de références littéraires, cinématographiques et artistiques, mais de nouvelles typologies d’œuvres apparaissent. Une sculpture-portrait est réalisée en hommage au personnage de Saskia du roman de genre Les Furtifs d’Alain Damasio ; les sculptures deviennent peintures ou coulures avec les Croûûûtes et les Fonds de cuves ; les matériaux bruts deviennent fonctionnels avec la sculpture-banc Miss Pink, Miss Blue, Miss Orange (référence féminisée au film Reservoir Dogs de Quentin Tarantino). L’œuvre La Rose devient quant à elle un motif sur lequel viennent se ficher des rebuts de sculptures détruites. Avec leur caractère dystopique, les sculptures semblent être devenues les reliques d’un monde inerte. L’artiste évoque en effet souvent en filigrane la catastrophe de Tchernobyl en 1986, qui lui a fait prendre conscience que l’ennemi, le danger, peut être invisible. Mais, à l’image des oeuvres joyeuses et inquiétantes de Franz West, les sculptures de Molinero oscillent entre destruction et fétichisme, dégoût et sublime, et interrogent autant qu’elles dérangent. Le prolongement de ce travail se fait dans la salle 20 des collections, avec la présentation du film inédit Extrudia 3D. Anita Molinero a perçu dans le caractère expérimental de la 3D, les liens qui peuvent être faits avec ses sculptures. Dans la lignée de ce que Wim Wenders a réalisé dans le film Pina pour mettre en avant les chorégraphies de Pina Bausch, Extrudia 3D immerge le spectateur dans l’atelier de l’artiste et l’invite derrière le nuage de ses émanations toxiques, pour faire face aux menaces tangibles de la hache et de la flamme de chalumeau.
« Celles-ci on les appelle juste les Croûûûtes. Car cela m'évoque la croûte terrestre. [...] C'est au chalumeau, parfois avec un petit coup de décapeur pour unifier. Il y a peut-être de l’acétone en plus. Je balance l’acétone et puis je rince. II y a plusieurs outils de fonte pour créer différentes formes [...]. Ce sont des morceaux de terre brûlée. »
Courtesy de l’artiste et de la Galerie Christophe Gaillard, Paris. Réalisé avec le soutien de la RATP.
fers à béton, éclats de polystyrène extrudé. Installation in situ.
Courtesy de l’artiste et de la Galerie Christophe Gaillard, Paris. Réalisé avec le soutien de la Société des Amis du Musée d’Art moderne de Paris.
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