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ANDY WARHOL
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Parcours accompagnant l'article publié dans la Lettre n°643 du 16 septembre 2026 |
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«Je voudrais être une machine»: cette épigramme célèbre d’Andy Warhol (1928-1987) et son choix de la reproduction photo-sérigraphique au début des années soixante ont fait oublier qu’il a d’abord été formé à l’art de l'illustration et, surtout, qu’il n'a cessé de dessiner jusqu’à ses derniers jours, reprenant dans de nouvelles mises en page les motifs si souvent répétés à la machine.
La production dessinée de Warhol est aussi abondante que variée. Portraits, caricatures, scènes de genre, planches décoratives et publicitaires, portfolios auto-promotionnels: le dessin reste jusqu’à la fin des années cinquante son médium de prédilection. Le cinéma l’accapare à partir de 1963 - dix ans plus tard il revient au dessin avec d’autres objectifs, étroitement liés à sa production picturale, notamment les portraits de commande, dont celui de Mao constitue le parangon. Il l’emploie alors pour mettre à l’épreuve certaines options chromatiques, graphiques ou conceptuelles, très souvent dans des formats imposants qui excèdent largement celui d’une simple esquisse: les dessins sont parfois des tests à l’échelle des peintures et en partagent la force de conviction
1 - EXCENTRICITÉS, LIEUX COMMUNS
Dès ses années d'études au Carnegie Institute of Technology de Pittsburgh, qui le forment à l'illustration, Warhol témoigne d'un penchant pour la caricature et l’auto-dérision. Il concevra plus tard nombre d'images fantaisistes, où l’on peut reconnaître l'influence de sa mère, Julia Warhola, devenue sa proche collaboratrice. Mais toujours il veille à donner une lisibilité immédiate à ses dessins, ce qui lui permettra de s'imposer comme l’un des artistes commerciaux les plus réputés de sa génération. Au début des années soixante, il identifie les lieux communs de la société américaine qui constitueront sa principale source d'inspiration, avec le succès que l'on sait. Ses études et variations autour de la bouteille de Coca-Cola et la boîte de soupe Campbell témoignent de la variété des registres auxquels il soumet ces emblèmes.
Ce dessin renouvelle le genre classique de la nature morte en s'emparant des emblèmes du communisme, le marteau et la faucille, qui représentent respectivement le prolétariat ouvrier et le monde paysan. Frappé par l'impact graphique et la répétition de ce motif sur les murs des villes italiennes, Warhol l'a traité comme un motif Pop. Il a élaboré plusieurs versions dessinées et peintes à partir d'innombrables photographies de mises en scène parfois incongrues, comme celle qui associe au symbole politique des billets de un dollar.Julia Warhola (1891-1972). Cat with «Purr» Inscriptions (Chat avec inscriptions «Ronron»), vers 1957-1961. Encre sur papier. The Andy Warhol Museum, Pittsburgh. Founding Collection, contribution de The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.
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2 - ABÉCÉDAIRES ET B.A.-BA
L'écriture manuscrite (la sienne ou celle de sa mère) est omniprésente dans les dessins des années cinquante: elle n’est jamais de l'ordre du commentaire mais devient partie prenante de l’image. Il en va de même quand Warhol emploie ou mime la typographie, comme dans ces étonnants collages de pieds et de main, ou dans les unes de journaux recomposées.
De l'écriture au signe, du récit aux instructions musicales ou chorégraphiques: à nouveau, les années soixante se caractérisent par un processus de simplification et d'économie, amplifié par la répétition. Warhol semble fasciné par les systèmes et les processus élémentaires: les peintures «Rorschach», taches mimant les tests psychologiques du même nom, peuvent être vus comme une technique de dessin réduite au geste le plus simple.
L‘argent constitue un sujet récurrent de l’œuvre de Warhol qui a souvent ironisé sur l'irrésistible fascination qu'il exerçait sur lui. En agrandissant un simple rouleau de dollars, il transforme un objet quotidien, souvent manipulé sans attention, en image monumentale. Ce changement d’échelle invite à considérer autrement ce symbole omniprésent de la société de consommation. Mais l’œuvre est aussi remarquable par la légèreté de la ligne et le soin apporté aux nuances chromatiques.
Réalisée dans les années 1980, la série Rorschach détourne le célèbre test psychologique fondé sur l’interprétation de taches d’encre symétriques. Warhol adopte ce que l’on peut considérer comme la technique de dessin la plus élémentaire. L'œuvre joue sur une tension permanente entre hasard et contrôle, entre répétition mécanique et projection personnelle. Là où le test vise à mettre au jour les troubles psychiques, Warhol propose des images qui résistent à toute interprétation, interrogeant la possibilité même de reconnaître des contenus derrière les apparences.
3 - VISAGES ET MASQUES
Le visage est à la fois image et signe d'une personnalité et, si le dessin doit obéir au principe de ressemblance (la photo-sérigraphie y pourvoira mécaniquement), Warhol multiplie modifications et altérations, qu'elles soient purement graphiques ou, au contraire, hautement symboliques. Il pratique successivement ce que l'on pourrait nommer un dessin chirurgical (Before and After), qui tend à renforcer les stéréotypes, puis un dessin cosmétique à partir de ses portraits de Marilyn et avec la série «Ladies and Gentlemen».
Dans les années quatre-vingt, il explore plus avant la question du masque, qui est tantôt le moyen d’une dépersonnalisation du sujet, tantôt (en particulier dans ses autoportraits) celui d’une transformation théâtrale.
Réalisée à partir de photographies de drag-queens new-yorkaises, la série Ladies and Gentlemen occupe une place singulière dans l'œuvre de Warhol. Les couleurs vives de la sérigraphie exaltent la présence des modèles tout en soulignant le caractère construit de toute identité. En reprenant les codes de ses portraits de célébrités, Warhol accorde à ces figures marginalisées une visibilité comparable à celle des stars. Dans ses variations dessinées et sérigraphiées, la série interroge ainsi les notions de représentation, de performance et de travestissement.
La série «Myths» rassemble plusieurs grandes figures de la culture populaire américaine. The Shadow, héros d'une émission radiophonique puis de bandes dessinées et de films, est un personnage mystérieux dont l'identité demeure dissimulée derrière un masque. Cette figure fait écho au rapport complexe que Warhol entretient avec sa propre image. Artiste omniprésent dans les médias, il cultive pourtant une personnalité insaisissable, multipliant dans quantité d'autoportraits les masques, les mises en scène et les jeux de rôle. Se montrer devient une manière de mieux se cacher.
The Andy Warhol Museum, Pittsburgh. Founding Collection, contribution de The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.
4 - EROTICA
L'abondante production d’une iconographie gay est restée privée jusqu'au tournant des années soixante-dix, diffusée dans les limites de l'entourage immédiat de Warhol. L'ornementation du corps et du visage masculins caractérise un érotisme parfois très «fleur-bleue», tandis que les très nombreux dessins de pieds, qui sont parfois de véritables portraits codés, déploient un symbolisme transparent. Le portrait de James Dean (1955) constitue un contrepoint fascinant: le glamour et le tragique y sont étroitement associés. Reflet de la culture camp (courant d'avant-garde qui remploie, dans un langage codé et ironique, les poncifs contemporains, notamment hollywoodiens), les dessins érotiques de Warhol trouvent un écho dans nombre de ses œuvres cinématographiques, et notamment dans Sleep (d’une durée de 5h21) dont nous présentons ici un extrait.
En associant des pieds à une boîte de soupe Campbell's, Warhol réunit deux motifs essentiels de son imaginaire: le corps et l'objet de consommation. Cette rencontre inattendue brouille les frontières entre l'intime et le quotidien. L'œuvre révèle également la double dimension voyeuriste et fétichiste si fréquente dans les dessins de pieds réalisés au cours de ces années charnières. Derrière l'humour et le jeu des associations s'affirme une sensibilité proche de l'esthétique camp, qui considère avec humour et ironie l'artifice, le kitsch et la culture populaire. La boîte de soupe est d'ailleurs tournée de manière à ce que seul le début du nom de la marque, «Camp», soit lisible.
Cette sérigraphie est une étude pour Querelle (1982), le dernier film de Rainer Werner Fassbinder, adapté du roman de Jean Genet. Warhol entretient tout au long de sa carrière un dialogue étroit avec le cinéma: après avoir réalisé plusieurs centaines de films expérimentaux à partir de 1963, il met ponctuellement son talent d'illustrateur au service du grand écran. À travers cette image, il célèbre un univers où désir, identité et représentation se mêlent, prolongeant les questionnements qui traversent son œuvre graphique.
5 - ENFER ET MERVEILLES
La violence occupe une place centrale dans l'imaginaire américain et Warhol s'y est souvent confronté, en particulier dans la série «Disasters» (accidents de voitures, chaise électrique, suicides, émeutes). Dans ses dessins, la violence est traitée de façon plus allusive et parfois, comme dans The Nations Nightmare (1951), à travers une stylisation épurée. Avec la série des «Crânes», il renoue avec la longue tradition iconographique des vanités. Pourtant, l'ombre que projettent ces crânes est tantôt celle d’un nouveau-né, tantôt la deuxième moitié d’une forme ovoïde, suggérant un cycle vital toujours recommencé. Les dessins des années quarante et cinquante peuvent dès lors être regardés comme les images d’un paradis perdu. Dans les années quatre-vingt, pourtant, avec des œuvres comme Eggs (1982), Rorschach (Hand Prints), ou les détails de la Cène, le merveilleux ressurgit au cœur même de la répétition.
Andy Warhol (1928-1987). Heaven and Hell Are Just One Breath Away! (Le ciel et l'enfer ne sont qu'à un souffle!), 1985-1986. Acrylique et encre sérigraphique sur toile de lin. The Andy Warhol Museum, Pittsburgh. Founding Collection, contribution de The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.Andy Warhol (1928-1987). The Mark of the Beast (La marque de la Bête), 1985-1986. Acrylique et encre sérigraphique sur toile de lin. The Andy Warhol Museum, Pittsburgh. Founding Collection, contribution de The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.
La dernière grande série de Warhol a pour point de départ La Cène de Léonard de Vinci. Il reprend dans certaines peintures sérigraphiées l'ensemble de la fresque telle qu'elle est reproduite sur des cartes postales, isole des détails hautement symboliques dans de nombreux dessins, parfois soumis à la répétition, ou se livre à des jeux de superposition. La figure du Christ est ici partiellement recouverte par une image vantant les mérites du culturisme. «Soyez quelqu'un avec un corps»: d'un slogan publicitaire, Warhol tire une parabole sur l'incarnation du Fils de Dieu.
Par leur simplification formelle et leur traitement de la couleur, ces œufs se situent à la frontière entre figuration et abstraction. Warhol réduit progressivement le motif à ses qualités plastiques essentielles. Mais cette image possède également une dimension autobiographique. Elle évoque les pisanki, œufs décorés de la tradition d'Europe centrale, familiers à l'artiste depuis son enfance. Symbole de renaissance et de renouveau, l'œuf révèle une part plus intime de son œuvre, où les souvenirs familiaux se croisent avec une recherche formelle.
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