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CHIHARU SHIOTA
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Parcours accompagnant l'article publié dans la Lettre n°610 du 19 février 2025 |
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1 - Where Are We Going ?
Chiharu Shiota. Where Are We Going ? («Où allons-nous ?»), 2017/2024. Laine blanche, fil de fer, corde. Dimensions variables.
Courtesy galerie Templon, Paris/Bruxelles. © GrandPalaisRmn 2024 / Photo Didier Plowy.
Qu’elles intimident, surprennent ou apaisent, les installations de Chiharu Shiota ne manquent jamais de fasciner. En découvrant les enchevêtrements de fils que l’artiste imagine, auxquels se mêlent valises, robes ou encore fenêtres, on ne peut s’empêcher de s’interroger sur la quantité de matériaux employés, sur le travail requis pour les agencer.
Mais au-delà de cette technique extraordinaire, c’est sans doute l’universalité inhérente à l’œuvre de Chiharu Shiota qui confère à l’artiste sa remarquable capacité à inviter le public à se questionner. Bien qu’elle puise fréquemment son inspiration dans des situations personnelles ou intimes, elle poursuit avant tout une quête de sens autour de concepts immatériels : le souvenir, le traumatisme, la mort, et plus généralement, le thème de la présence dans l’absence, au centre de sa réflexion. À travers ces notions qui dépassent murs et frontières, l’artiste satisfait son ambition créatrice de se ≪rattacher aux sentiments humains dans leur sens le plus large≫, et permet ainsi aux visiteurs du monde entier de trouver en ses œuvres un écho à leurs propres émotions.
Au vu de sa portée universelle, la vision artistique de Chiharu Shiota trouve tout naturellement sa place au Grand Palais, lieu d’émerveillement ou dialoguent les arts et cultures de tous les horizons. Co-organisée avec le Mori Art Museum de Tokyo et sous le commissariat de sa directrice, cette exposition monographique accueillie par le monument est la plus importante jamais dédiée à la carrière de Shiota en Europe. À travers sept installations à grande échelle recréées par l’artiste elle-même, elle offre une occasion inédite de découvrir l’essence de son œuvre et de se confronter à l’intense flot d’émotions et de convictions qui y est exprimé. Les visiteurs y sont ainsi convies à ressentir, eux aussi, ces «frémissements de l’âme» qui rythment le monde intérieur et l’art de Chiharu Shiota.Chiharu Shiota. Berlin, 2024. Photo: Sunhi Mang.
Citation de Chiharu Shiota.
2 - In the Hand
- Chiharu Shiota. Life Close to the Universe («La vie près de l'univers»), 2013. Crayon à l'eau, encre à l'eau et fil sur papier, 32 x 24 cm.
- Chiharu Shiota. Connected Thread («Fil connecté»), 2019. Crayon de couleur à l'eau, encre à l'eau et fil sur papier, 40 x 30 cm.
- Chiharu Shiota. Hand and Red Thread («Main et fil rouge»), 2013. Crayon à l'eau, encre à l'eau et fil sur papier, 32 x 24 cm.
- Chiharu Shiota. Prayer («Prière»), 2019. Crayon de couleur à l'eau, encre à l'eau et fil sur papier, 40 x 30 cm.
- Chiharu Shiota. Connect («Connecter»), 2019. Crayon à l'eau, encre à l'eau et fil sur papier, 40 x 30 cm.
- Chiharu Shiota. Red Finger («Doigt rouge»), 2013. Crayon à l'eau, encre à l'eau et fil sur papier, 32 x 24 cm.
- Chiharu Shiota. Red String («Cordon rouge»), 2007. Gouache, crayon à l'eau et encre à l'eau sur papier, 24 x 17 cm.
3 - Uncertain Journey
4 - Becoming Painting
Chiharu Shiota est née en 1972 dans la préfecture d'Osaka et a grandi à Kishiwada. De 1992 à 1996, elle étudie la peinture à l'huile au département d'art de l'université Kyoto Seika tout en travaillant en tant qu'assistante de Saburo Muraoka (1928-2013) au département de sculpture. Durant cette période, elle fait des séjours d'études à l'Australian National University School of Art & Design, à Canberra, et commence à réaliser des performances et des installations. À dix-neuf ans, elle visite une exposition personnelle de l'artiste polonaise Magdalena Abakanowicz (1930 -2017) au musée d'Art moderne de Shiga, ce qui l'incite à partir en Allemagne pour étudier auprès d'elle. Après de longues démarches, elle gagne l'Europe en 1996 et s’inscrit à l'École supérieure des beaux-arts de Hambourg. En 1997-1998, elle étudie auprès de Marina Abramović (née en 1946), pionnière de l'art de la performance, à l'université des arts de Brunswick, puis avec Rebecca Horn (1944-2024) à l'université des arts, de Berlin. Installée depuis à Berlin, Shiota a présenté ses œuvres lors de biennales et d'expositions dans des musées d'art et des galeries. Entre 1993 et 2024, elle a participé à plus de trois cents expositions personnelles, expositions collectives, biennales et autres événements.
Cette chronologie retrace la carrière de Chiharu Shiota depuis ses débuts. À travers des photographies documentaires et des vidéos qui illustrent l'évolution de ses activités vers une pratique multiforme couvrant la peinture, la performance et l'installation, elle met en lumière les préoccupations et les valeurs qui, jusqu’à aujourd'hui, n'ont cessé d'inspirer sa production artistique.
Cette œuvre date de l’époque ou Shiota était étudiante en première année à l’université Kyoto Seika. «J’ai relevé le défi d’exécuter une peinture abstraite, se souvient-elle, alors que nous étions libres de choisir n’importe quel sujet. Je ne voyais que la couleur à la surface de la toile. Le cœur agité de ce monde, au plus profond de la peinture, disparaissait de mon champ de vision. J’étais frustrée par l’importance prédominante accordée à la technique et par l’absence de contenu. Alors que je maniais cette peinture à l’huile et cette toile – des matériaux chargés d’histoire –, je ne supportais plus la frivolité avec laquelle je peignais.» Ce fut la dernière huile exécutée par Shiota.
Shiota a réalisé cette aquarelle dynamique d’une fleur et d’un papillon alors qu’elle n’avait que cinq ans. Son nom y apparaît en miroir. «Ah ! J’ai donc commencé à dessiner avant de savoir écrire ! C’est évident, mais je l’avais oublié.»
Pendant ses études universitaires, Shiota a étudié en Australie dans le cadre d'un programme d'échange. Une nuit, alors qu'elle avait déjà abandonné la peinture à l'huile, elle a fait un rêve: «J'étais devenue une peinture, raconte-t-elle. Je me suis demandé comment je devais me déplacer à l'intérieur de la surface picturale pour qu'elle devienne une bonne peinture. Totalement recouverte par toute cette peinture, j'avais du mal à respirer. Cette nuit-là, j'étais devenue une partie de l'œuvre.» Quelques jours plus tard, après avoir accroché la toile au mur, elle a essayé de devenir une peinture en se couvrant de laque tout en s'enroulant dans la toile. Pour Shiota, ce fut une libération: «Pour la première fois, je n'avais pas créé une œuvre minutieusement travaillée, mais commis un acte d'expression corporelle dans lequel je m'étais totalement investie.»
Après quatre jours de jeûne entrepris dans le cadre d'un atelier de Marina Abramović, l'un des premiers mots prononcés par Shiota a été «Japon». Le lendemain, elle a réalisé une performance qui consistait à escalader une grotte creusée dans une paroi inclinée, à tomber, puis à remonter. Tout en réfléchissant à sa place dans son pays d'origine, Shiota a projeté dans sa performance l'impossibilité de rentrer chez elle et les incertitudes relatives à sa propre existence.
Ont participé à l'atelier quinze étudiants qui se sont entraînés à jeûner dans un château breton, en France, et qui, pendant cette période, ont vécu des expériences inédites qui n'auraient pas pu avoir lieu dans le cadre d'une école d'art ordinaire: écrire son nom pendant une heure, marcher les yeux bandés dans la neige autour d'un étang, rentrer chez soi en marchant à reculons tout en tenant un miroir, ou faire asseoir deux personnes sur des chaises l'une en face de l'autre pendant trois heures. «Après ce stage, j'ai eu l'impression que ma sensation du temps qui passe - et même ma perception - avaient changé».
5 - Toiles abstraites
Le fil est un matériau nécessairement associé aux installations de Shiota. Quand l'artiste bouge les mains pour créer une sorte de dessin dans l'espace, les lignes se transforment peu à peu en surface, puis remplissent complétement l'espace en question. «Les fils s’enchevêtrent, s'entrelacent, se coupent, se lient, s'étirent. Les fils, qui manipulent le cœur, peuvent servir aussi à exprimer les relations entre les êtres.»
Dans les installations de Shiota, des fils d'un noir de jais ou d'un rouge profond commencent par se superposer pour créer des surfaces avant de se transformer progressivement en espaces entiers. Ces œuvres sont achevées quand nos yeux ne sont plus capables de suivre les fils. «Je me dis alors que je peux voir au-delà et toucher la vérité.»
«Lorsque je fais couler de la peinture rouge sur des fils noirs tricotés, la couleur se répand sur le sol de manière ordonnée, créant quelque chose qui se rapproche d'un tableau. Cet ordre cosmique appartient à notre univers, mais l'univers existe aussi à l'intérieur de mon corps. C'est cette analogie entre la nature et la matière que j'ai voulu exprimer.»
Australian National University School of Art & Design, Canberra. Épreuves numériques, 2019, 49 x 70,5 cm / 78,5 x 49 cm.
Shiota, qui s'était déjà éloignée de la peinture, s'est trouvée incapable de peindre lors de son séjour en Australie. Même quand elle traçait une simple ligne, elle n'arrivait pas à bouger la main pour exprimer un sentiment d'ordre ou d'espace, pour rendre le «souffle vital». «J'ai ramassé des cosses de haricots vides qui jonchaient la cour de l'école, je les ai collées sur une feuille de papier et j'ai dessiné une unique ligne. Là, j'ai trouvé une certaine joie à tracer un trait sans faire appel à la moindre technique.»
Cette installation exprime la similitude entre l'ordre de la nature et l'ordre du corps. Les glands de chêne servent de points de liaison, raccordés ensemble et tissés pour former un motif géométrique de lignes en laine.
« La vie souterraine est beaucoup plus profonde que la vie en surface. Les racines des grands arbres, par exemple, couvrent une surface presque aussi importante que la partie aérienne de l'arbre. Les gens pensent que la vérité est ce qui est visible pour eux, mais les choses sont liées de toutes sortes de manières, à la façon de la pensée rhizomatique.»
Cette œuvre nous sensibilise à des domaines invisibles à nos yeux: elle dépeint le monde des êtres qui vivent à l'intérieur de la terre.
«C'est la première installation pour laquelle j'ai moi-même cherché les matériaux. On sent une ouverture qui permet de sauter dans un espace non bidimensionnel. Je suis née de cette œuvre. Dans quelle mesure la transmission de l'ADN contrôle-t-elle ce qui se passe dans la tête de la personne qui crée? C'est la pensée qui m'a traversé l'esprit à ce moment-là.»
Cette performance/installation réalisée à l'université Kyoto Seika est également la première œuvre dans laquelle Shiota utilise du fil.
Dans Le Rêve du papillon du philosophe chinois Zhuangzi (vers 369-288 av. J.-C.), un homme rêve qu'il s'est transformé en papillon, mais quand il se réveille, il n'est plus capable de distinguer le rêve de la réalité. Shiota, ayant déménagé neuf fois au cours des trois années qui ont suivi son installation en Allemagne, a toujours cherché un lieu où pouvoir se sentir à sa place. C'est ainsi qu'elle a commencé à tricoter du fil dans sa chambre et qu'elle a créé en 1999 sa première installation de lit. Comme elle l'explique, «les fils enveloppaient l'espace comme un cocon. Je voulais exprimer le fait qu'une personne endormie occupe l'espace entre le rêve et la réalité, comme dans l'histoire de Zhuangzi». Cette œuvre a remporté le Philip Morris K.K. Art Award en 2002 et a été exposée ensuite au P.S.1 Contemporary Art Center (aujourd'hui MOMA PS1) à New York.
- Chiharu Shiota. Congregation («Congrégation»), 1997. Performance, installation (os, eau). Dorfpark, Buchholz. Épreuves numériques, 2019, 33 x 50 cm / 50 x 36 cm / 50 x 35 cm.
Pour une exposition à l'École supérieure des beaux-arts de Hambourg, Shiota a collecté des mâchoires de vaches dans des usines de transformation de viande. Elle en a ainsi transporté environ cent quatre-vingts dans le train, en plusieurs fois, et, pendant un mois et demi, elle en a ôté la viande toutes les nuits à l'université. Ces os de vaches ont été utilisés pour la première fois dans une œuvre intitulée / Have Never Seen My Death, dans laquelle des œufs servaient à signifier un état brut. La phrase du titre est censée entrer en résonance avec les mots gravés sur la pierre tombale de Marcel Duchamp (1887-1968): «D'ailleurs c'est toujours les autres qui meurent».
Dans Congregation, ces mâchoires - qui symbolisent la mort - sont disposées en cercle comme si elles cherchaient la vie et l'eau potable. Shiota en a ensuite fait une performance dans laquelle, située au centre et entourée d'eau boueuse, elle semblait elle-même chercher la vie dans un geste qui ressemblait à un retour à la terre.
6 - Dialogue from DNA
- Chiharu Shiota. After That («Après cela»), 1999. Installation (robes, boue, eau). E-Werk, Weimar. Épreuve numérique, 2019, 74 x 49 cm.
After That se compose de robes de sept mètres de long, cousues par Shiota elle-même et recouvertes de boue, suspendues devant un mur sur lequel de l'eau coule en continu depuis une douche installée au-dessus. «Les robes expriment l'absence du corps. Peu importe le nombre de fois où elles sont lavées, on ne peut jamais effacer la mémoire de la peau.» Par la suite, cette œuvre a été présentée à la première Triennale de Yokohama sous le titre Memory of Skin («Mémoire de la peau», 2001). Cette installation à grande échelle, où l'eau tombe en cascade sur des robes de treize mètres de long tachées de boue, a fait la réputation de Shiota, alors âgée de vingt-neuf ans, dans les milieux artistiques japonais.
En réalisant des photographies sur le thème du mur, notamment celui de Berlin et le mur des Lamentations à Jérusalem, Shiota a commencé à s'intéresser aux murs créés par les liens du sang. Comparant à des murs les frontières familiales, ethniques, nationales et religieuses associées aux liens du sang, elle évoque «l'existence d'êtres humains incapables de franchir ces murs». Dans ces images, les vaisseaux sanguins extériorisés s'entrelacent autour du corps, tandis que la bande-son symbolise le bruit produit par le cœur d'un fœtus. Cette œuvre est un condensé de beaucoup de choses, et notamment des expériences personnelles de Shiota en matière de maladie, de grossesse, d'avortement et d'accouchement.
Dans cette œuvre, Shiota se couvre de boue dans sa baignoire pour exprimer «le souvenir de sa propre peau, que l'on ne peut totalement effacer même après un lavage». Durant sa troisième année en Allemagne, Shiota est devenue très consciente de sa peau, perçue sans doute comme un symbole de son identité. C'était la première fois qu'elle réalisait une version vidéo d'une performance, qui entre d'ailleurs en résonance avec la performance de 1997 Try and Go Home.
Installation (photographies), 78 x 477 cm. Kunstverein Hannover, Hanovre.
«Mon père, ma mère, mon oncle et ma tante faisaient partie de ma famille avant ma naissance. Depuis mon arrivée en Allemagne, j'ai rencontré toutes sortes de gens et parcouru les rues de différentes villes. Chaque fois que j'avais l'impression d'avoir totalement changé parce que je me retrouvais seule dans un lieu lointain, ou de n'avoir plus de chez moi où que j'aille, je pensais à la région de Kochi où mes parents sont nés, et aux visages de mes proches, à ce paysage rural où je ne retournerais jamais, où les rivières et les montagnes ne changeraient jamais.»
7 - Connecting Small Memories
8 - Scénographies
Entre 2003 et 2019, Chiharu Shiota a conçu les scénographies de neuf opéras et pièces de théâtre. Pour cette artiste, qui a axé sa pratique sur le thème de la présence dans l'absence et plus particulièrement sur les installations, l'espace de la scène - avec la présence des chanteurs, danseurs et acteurs - est un contexte totalement différent de celui d'une exposition dans un musée. Dans ses scénographies, elle implique activement les artistes. Ainsi, pour l'opéra Matsukaze, dont la première a eu lieu en 2011 au théâtre royal de la Monnaie, à Bruxelles, les danseurs devaient grimper et se faufiler dans tous les sens à travers la toile noire qu'elle avait tissée dans le cadre d'une installation de quatorze mètres de diamètre et de dix mètres de haut. Ces projets, qui offrent de multiples modalités de collaboration avec le metteur en scène, les interprètes, le chorégraphe, etc. font désormais partie de la pratique artistique de Shiota, qui y trouve un spectre de possibilités nouvelles. De ce point de vue, la conception scénographique est devenue un pilier important de sa production.
Tätowierungen, œuvre contemporaine majeure de la dramaturge allemande Dea Loher, évoque les malheurs qui frappent une famille censée être un espace de sécurité affective. Le père, Wolf, commet une série de viols qui rongent lentement sa fille Anita. L'amour-haine d'une mère et de sœurs qui ne parviennent pas à surmonter leur désespoir s'exprime dans une atmosphère lourde et pesante rendue par la mise en scène. Julie, l'épouse vertueuse, qui souhaite préserver l'image d'une famille heureuse, ferme les yeux sur les abus commis quotidiennement par son mari, se blessant à plusieurs reprises par culpabilité et impuissance. Anita, qui n'ose pas défier son père par crainte des représailles de sa jeune sœur, se résout à jouer un rôle sacrificiel pour limiter les dégâts. Lulu, qui se propose d'aider sa sœur aînée, en vient peu à peu à regretter que son père ne s'intéresse qu'à Anita. Incapables de s'opposer à Wolf, Julie et les deux sœurs deviennent peu à peu dépendantes de lui. C'est alors qu'une rencontre fortuite avec le fleuriste Paul offre à Anita une possibilité d'échapper au désespoir.
Dans la pièce de Sophocle, Œdipe, devenu un héros pour avoir résolu l'énigme du Sphinx, est nommé roi de Thébes après avoir tué le précédent roi sans le savoir, puis il épouse sa veuve, la reine, dont il aura quatre enfants. Ayant consulté un oracle lui annonçant qu'un désastre va s'abattre sur la capitale en conséquence du meurtre du roi, Œdipe se lance immédiatement à la poursuite du criminel. Or, il se trouve que c'est lui-même l'assassin, que le roi était en réalité son père, et que la reine est sa mère.
Rongé par la culpabilité d'avoir commis de tels actes, Œdipe se crève les yeux et abandonne le trône, ruiné et désespéré. Dans sa Poétique, Aristote voit dans cette pièce un archétype de la tragédie; aujourd'hui encore, elle reste souvent considérée comme le chef-d'œuvre de la tragédie grecque.
Dans cette comédie de William Shakespeare, Léonte, roi de Sicile, croit à tort que sa femme Hermione est enceinte de son meilleur ami Polixène, roi de Bohême, avec lequel il la soupçonne d'avoir une liaison. Il dénonce donc son ami et jette sa femme en prison. Perdita, née pendant l'incarcération de la reine mais considérée comme une enfant illégitime, est abandonnée en Bohême. Un oracle informe Léonte que la reine était en fait innocente et qu'elle est morte en prison d'angoisse et de chagrin. Ayant perdu son ami et sa famille par sa propre folie, le roi jure de passer le reste de sa vie à réparer son crime.
Seize ans plus tard, Perdita, qui a grandi sous la garde d'un berger de Bohême et ignore les circonstances de sa naissance, tombe amoureuse du prince Florizel, fils de Polixène, mais la différence de condition sociale s'oppose à leur union. Polixène se rend en Sicile, où il est accueilli par Léonte, qui souhaite renouer de bonnes relations avec lui, et ce dernier apprenant du berger que Perdita est en fait la fille de Léonte, donne sa bénédiction à leur union.
L'amitié entre les deux rois est rétablie. Entre-temps, il apparaît qu'Hermione est en fait bien vivante dans un pays lointain; par un coup du destin, elle va se trouver de nouveau réunie à son époux.
Dans cet opéra, inspiré de la pièce de théâtre nô du même nom, un prêtre en voyage dans la région de Suma tombe sur un unique pin qui se dresse sur la plage de la baie. Apprenant que ce pin est le mémorial de deux sœurs, Matsukaze et Murasame, qui ont vécu dans la région quelques siècles plus tôt, le prêtre pleure leurs âmes, puis attend de demander au propriétaire d'une hutte de l'héberger. C'est alors que lui apparaissent les sœurs, qui répandent de la saumure pour en extraire du sel. Elles invitent le prêtre à rester et lui révèlent qu'elles sont deux plongeuses qui ont fréquenté le poète Ariwara no Yukihira à l'époque où celui-ci était exilé à Suma. Les deux sœurs l'ont aimé, mais leur affection ne leur ayant pas été rendue, elles ont continué à se languir de lui après son départ. Elles avouent au prêtre qu'elles en éprouvent encore du chagrin en tant que fantômes. Ayant revêtu le costume que Yukihira lui a laissé en souvenir, Matsukaze s'aperçoit que son désir latent est devenu encore plus profond, et confondant le pin sur la plage avec le poète, les sœurs dansent dans le vent et sous la pluie, et Matsukaze serre l'arbre dans ses bras. La nuit passe et lorsque le prêtre se réveille, les sœurs ont disparu: seul se fait entendre le bruit du pin battu par le vent.
La tétralogie de Richard Wagner connue sous le nom de L'Anneau du Nibelung comprend quatre opéras: L'Or du Rhin, lors de la «soirée préliminaire», et trois «journées», successivement La Walkyrie, Siegfried et Le Crépuscule des dieux. L'ensemble de la représentation nécessite une quinzaine d'heures réparties sur quatre jours. Dans la mesure où ces opéras comprennent chacun un récit autonome, ils sont parfois présentés individuellement. L'histoire est celle d'un anneau magique qui confère un pouvoir absolu à celui qui le possède, et pour lequel des héros, des dieux et des créatures mythiques s'affrontent.
Dans L'Or du Rhin, le nain Alberich forge un anneau et entre en conflit avec Wotan, le roi des dieux, et une race de géants qui tentent de s'emparer de l'anneau. Cette partie raconte l'histoire jusqu'à ce que l'anneau soit cédé aux géants. La Walkyrie se concentre sur l'amour tragique entre Siegmund et Sieglinde, frère et sœur jumeaux nés de l'union d'une femme humaine et de Wotan.
Le troisième opéra du cycle est un récit d'aventures dont le héros est l'intrépide Siegfried - Le fils de Siegmund et de Sieglinde - qui l'emporte sur le dragon-serpent avec l'épée Nothung et gagne l'anneau. Plus tard, au sommet d'une montagne, il rencontre Brünnhilde, la fille de Wotan, et les deux êtres sont attirés l'un vers l'autre. Brünnhilde apprend qu'elle va perdre sa vie éternelle à cause de cet amour mortel, mais les deux amoureux, incapables de renoncer à leurs sentiments, rendent hommage à la force suprême de l'amour.
Dans ce quatrième et dernier opéra de la tétralogie de Wagner, Siegfried, désormais amoureux de Brünnhilde, lui offre l'anneau magique en gage de fidélité et part pour une nouvelle aventure. Le nain Alberich, qui convoite l'anneau, complote avec son fils Hagen pour faire boire à Siegfried une potion d'oubli et voler l'anneau à Brünnhilde. Pensant à tort qu'elle a été trahie, Brünnhilde révèle à Alberich les faiblesses de Siegfried, et contribue ainsi à sa perte. Se rendant compte de son erreur, Brünnhilde reprend l'anneau et prépare un bûcher funéraire pour pleurer le héros. Puis elle se jette dans les flammes qui s'élèvent jusque dans les cieux, en chantant son amour pour Siegfried, et rend l'anneau au Rhin.
C'est alors que le fleuve déborde et engloutit le feu, marquant la fin de l'ère des dieux. Ainsi s'achève cette épopée, avec ses leitmotivs de rédemption et de renaissance.
9 - In Silence
Dimensions variables. Soutien à la production: Alcantara S.p.A. © GrandPalaisRmn 2024 / Photo Didier Plowy.
10 - Inside-Ouside
Pour réaliser mon œuvre avec les fenêtres, je me suis rendue chaque jour, matin et soir, sur une vingtaine de chantiers, et je négociais avec les gens sur place. Pendant six mois, de jour comme de nuit, je n'ai fait que m'occuper de fenêtres et penser à des fenêtres.
Certaines personnes m'ont donné des fenêtres, d'autres ont essayé de m'en vendre à prix d'or.
Épuisée à la fin de chaque journée, je me disais que j'allais définitivement arrêter. Pourtant, je n'arrivais pas à m'arracher à ces fenêtres, comme si j'étais possédée par elles; j'avais l'impression qu'elles étaient comme une peau pour moi.
J'ai le sentiment d'être toujours bloquée dans cet entre-deux, ni à l'intérieur ni à l'extérieur, incapable de transcender cette frontière de ma peau, de moi-même, ou plus exactement de souffrir parce que j'essaie de la transcender.
Épreuves numériques, 250 x 176,7 cm / 176,7 x 250 cm.
- Chiharu Shiota. In the Window («Dans la fenêtre»), 2018. Pastel gras et fil sur papier, 42 x 56 cm.
- Chiharu Shiota. Red Coat («Manteau rouge»), 2018. Pastel gras et fil sur papier, 42 x 56 cm.
- Chiharu Shiota. In the Stomach («Dans l'estomac»), 2018. Aquarelle, pastel gras et fil sur papier, 40 x 30 cm.
- Chiharu Shiota. Cell («Cellule»), 2018. Aquarelle, pastel gras et fil sur papier, 40 x 30 cm.
- Chiharu Shiota. Feet («Pieds»), 2018. Aquarelle, pastel gras et fil sur papier, 40 x 30 cm.
- Chiharu Shiota. Red Mirror («Miroir rouge»), 2009. Crayon à l'eau, encre à l'eau et crayon sur papier, 31,8 x 23,7 cm.
- Chiharu Shiota. Red Dress («Robe rouge»), 2009. Crayon à l'eau, encre à l'eau et crayon sur papier, 31,8 x 23,7 cm.
- Chiharu Shiota. Red Table («Table rouge»), 2009. Crayon à l'eau, encre à l'eau et crayon sur papier, 31,8 x 23,7 cm.
11 - Reflection of Space and Time
Robes blanches, miroir, cadre métallique, fil noir Alcantara, 280 x 300 x 400 cm. Commande d'Alcantara S.p.A.
12 - Accumulation - Searching for the Destination
Valises, moteur et corde rouge. Dimensions variables. Courtesy galerie Templon, Paris / Bruxelles.
© GrandPalaisRmn 2024 / Photo Didier Plowy.
Valises, moteur et corde rouge. Dimensions variables. Courtesy galerie Templon, Paris / Bruxelles.
© GrandPalaisRmn 2024 / Photo Didier Plowy.
3 min 14s, 5 min 2 s, 3 min 10 s, 4 min 54 s. Courtesy Hölderlin-Grundschule et Museum Sinclair-Haus, Bad Homburg.
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