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PIONNIÈRES
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Parcours accompagnant l'article publié dans la Lettre n°544 du 30 mars 2022 |
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Très longtemps marginalisées, tant dans leur formation que dans leur accès au marché de l’art, aux collectionneurs et aux musées, les artistes femmes de la première moitié du XXe siècle n’ont pas été reconnues de leur vivant à leur juste valeur. Elles ont pourtant occupé un rôle primordial dans le développement des grands mouvements artistiques de la modernité. Lorsque leur rôle dans les avant gardes sera reconnu, il est à prévoir que la perception de ces mouvements aura profondément changée. Cette exposition est une étape de cette histoire de l’art en transformation, travaillée en profondeur par la question de la place des femmes artistes dans la société. Audacieuses, bravant les conventions, ces pionnières participent à la redéfinition du rôle des femmes dans la vie moderne. Elles viennent à Paris du monde entier, s’y établissent définitivement ou reviennent chez elles, se faisant alors les porte-parole de la modernité.
Sans prétendre à l’exhaustivité, l’exposition redonne une voix et un visage à des artistes encore très peu connues, dont certaines jamais présentées en France. Un siècle après, le bouillonnement des années dites « folles » n’a pas fini de nous étonner et de nous fasciner. Derrières les fêtes, l’effervescence culturelle et la forte croissance économique, des interrogations plus profondes et prémonitoires apparaissent : la spécificité d’un regard féminin, la fluidité des genres, le combat pour la diversité, autant de sujets portés par les artistes femmes et auxquelles cette exposition voudrait rendre hommage.
1 - Les femmes sur tous les fronts
L’expérience de la Grande Guerre a accéléré la remise en cause du modèle patriarcal amorcée au Royaume-Uni à la fin du XIXe siècle par les suffragettes. C’est en France que l’entrée des femmes dans le monde du travail est la plus sensible. Engagées volontaires comme infirmières au front, elles deviennent aussi fermières, ouvrières, ou médecins. Les femmes remplacent les hommes, décimés par un conflit meurtrier, comme le montre l’œuvre de Marevna La Mort et la Femme, présentée dans cette salle. Certaines mettent leur inventivité au service de l’autre et créent des lieux ou des objets qui témoignent de leur philanthropie : la sculptrice Gertrude Vanderbilt Whitney met sa fortune au service de l’effort de guerre et crée en France l’Hôpital américain de Neuilly-sur-Seine. Elle fonde en 1931 le Whitney Museum of Arts à New York.
Dans la France de l’après-guerre coexistent les libertés (de mouvement et d’expression) et les conservatismes: le suffrage féminin est refusé, la propagande anticonceptionnelle interdite et l’avortement sévèrement puni. La révolution russe d’octobre 1917 et le traité de Versailles de 1919 dessinent de nouvelles frontières provoquant ensuite des déplacements de populations dont celui de nombreuses artistes femmes en quête d’indépendance. Aux États-Unis la prohibition et le racisme poussent une génération d’hommes et de femmes vers des capitales européennes, dont Paris. Ces hommes et ses femmes sont à la recherche d’une liberté culturelle, artistique et sexuelle que leur refusent leurs pays d’origine.
La crise économique de 1929, la montée des totalitarismes, puis la Seconde Guerre mondiale vont à la fois restreindre la visibilité des femmes artistes, et faire oublier ce moment extraordinaire des années 1920 où elles avaient eu la parole.
Carte des lieux de naissance des artistes.
Carte des lieux de naissance des artistes.
Carte des lieux de naissance des artistes.
2 - Comment les avant-gardes se conjuguent au féminin
Paris – en particulier les quartiers latins, de Montparnasse et de Montmartre – est la ville des académies privées dans lesquelles les femmes sont les bienvenues. C’est aussi la ville des librairies d’avant-garde, des cafés où les artistes croisent les poètes et les romanciers, où le cinéma expérimental s’invente. Nombre de ces lieux sont tenus par des femmes : Adrienne Monnier et Sylvia Beach ouvrent respectivement, rue de l’Odéon, les librairies La Maison des Amis des livres et Shakespeare and Company qui deviennent les lieux phares de la création littéraire de l’époque. Marie Vassilieff fonde en 1910 l’Académie russe pour les jeunes artistes non francophones, puis l’Académie Vassilieff, en 1912 ; Marie Laurencin enseigne avec Fernand
Léger, à partir de 1924, à l’Académie moderne. Dans cette école, l’abstraction se diffuse auprès d’élèves venus du monde entier dont plusieurs sont réunis dans cette salle. De nombreuses femmes artistes ont alors été attirées par l’abstraction qui leur permettait de s’affranchir des catégories de genre, contrairement à la figuration qui les impose.
L’abstraction est pratiquée dans tous les domaines artistiques, de la peinture au cinéma, comme l’illustre notamment l’extrait du film Thèmes et Variations de la cinéaste Germaine Dulac.
3 - Vivre de son art
Parce qu’elles sont moins visibles et reconnues que leurs homologues masculins, et pour gagner une indépendance nécessaire au développement de leur travail artistique, les artistes femmes sont plus que les hommes adeptes de la pluridisciplinarité. Mode, décoration intérieure et costumes de spectacles vivants, portraits mondains et objets, notamment des poupées, leur permettent d’atteindre l’autonomie financière. La « poupée-portrait » est inventée par Marie Vassilieff et devient une production lucrative pour l’artiste qui fabrique aussi des marionnettes pour des compagnies de théâtre. C’est aussi le cas de Sophie Taeuber-Arp qui reçoit une commande en 1918 du Théâtre des marionnettes de Zurich pour le conte Le Roi Cerf, de Carlo Gozzi.
L’artiste polonaise Stefania Lazarska ouvre, en 1914, un atelier de confection de poupées revêtues de costumes historiques ou folkloriques vendues au profit de la communauté artistique polonaise à Paris : en 1915, elle employait 210 personnes. D’autres artistes montrent un véritable talent pour les affaires – Sonia Delaunay ou Sarah Lipska ouvrent des boutiques où elles présentent vêtements, meubles et objets de leur création.
- Sarah Lipska (1882-1973). Manteau jaune au col montant, se fermant sur le côté gauche à l’aide de deux liens sur le col, garni de cordons. blancs appliqués et de broderie de fils métalliques. Doublure en soie rose, XXe siècle. Soie, coton, métal (satin, mousseline, brodé, application de tissu, cousu). France, Poitiers, musée Sainte-Croix.
Conversation, avant 1930. Collage, tissus, papier sur carton. Pologne, Varsovie, Marek Roefler. Collection / Villa La Fleur.
«Le Roi cerf», 1918. Le Dr. Oedipus Complex, savant contemporain, qui dira le prologue. Freudanalytikus. Le Roi Deramo. Clarissa, fille de Tartaglia. Angela, fille des Pantalon. Cerf. Perroquet. Répliques des œuvres originales. Peinture à l’huile, bois, métal, textile.
Suisse, Zurich, Museum für Gestaltung
4 - Les garçonnes
Après les traumatismes de la Grande Guerre et de la grippe espagnole qui avaient entraîné une profonde récession mondiale, s’installe une croissance économique et technique jamais vue auparavant.
Les artistes se saisissent de nouveaux sujets tels que le travail et le loisir des femmes, transformant au féminin le modèle du sportif masculin, représentant le corps musclé à la fois compétitif, élégant et décontracté.
Joséphine Baker incarne cette « nouvelle Ève » qui découvre les joies de se prélasser au soleil (c’est le début de l’héliothérapie), utilise son nom pour développer des produits dérivés pratiquant aussi bien le music-hall la nuit que le golf le jour. Véritable entrepreneuse, Baker ouvre un cabaret-restaurant, fonde un magazine et devient une des artistes les mieux payées en Europe.
Ces « garçonnes » (mot popularisé par le roman de Victor Margueritte en 1922) sont les premières à gérer une galerie ou une maison d’édition, à diriger des ateliers dans des écoles d’art. Elles se démarquent en représentant des corps nus, tant masculins que féminins, en interrogeant les identités de genre. Ces femmes vivent leur sexualité, quelle qu’elle soit, s’habillent comme elles l’entendent, changent de prénom (Anton Prinner naît Anna Prinner, Marlow Moss naît Marjorie Moss) ou de nom (Claude Cahun est le pseudonyme de Lucy Schwob, Marcel Moore celui de Suzanne Malherbe, sa compagne de vie et de travail). Leur vie et leur corps, dont elles sont les premières à revendiquer l’entière propriété, sont les outils d’un art, et d’un travail qu’elles réinventent complètement.
Tête en plâtre peinte, tubes en métal et carton, flacon en verre et papier, papier et filet coton noir.
France, Paris, Collection Josephine Baker, Nathalie Elmaleh & Laurent Teboul.
5 - Chez soi, sans fard
Tandis que le corps des femmes s’expose librement sous le soleil, il se réinvente aussi chez soi, sans fard. Ces odalisques modernes se représentent dans leurs intérieurs, inventant une nouvelle forme de naturalisme. Plus besoin de paraître ni de faire semblant : la maternité peut être fatigante ; les poses des nus excentriques; le déshabillé une échappatoire aux diktats des regards et des devoirs domestiques. Dans l’immédiate après-guerre, Mela Muter et Maria Blanchard en tant qu’artistes étrangères installées à Paris, réagissent aux inégalités de classes de la société française face à une politique qui milite pour une croissance de la natalité. Leurs madones sont des ouvrières ou des domestiques, d’origine espagnole ou africaine, qui s’éloignent de l’image traditionnelle de la maternité heureuse.
Le discours est différent pour Chana Orloff et Tamara de Lempicka. Les sculptures de mères autonomes et indépendantes d’Orloff exaltent une vision puissante de la femme, capable d’assumer à la fois le rôle des deux parents et celui d’une artiste à succès vivant de son art. Loin de toute préoccupation sociale, Lempicka traduit en peinture le cadrage serré cinématographique hollywoodien en vogue à l’époque. Le traitement de ses figures met en lumière leur sensualité et leur glamour tout en les intégrant dans une vie mondaine semblable à la sienne.
6 - Représenter son corps autrement
Les artistes femmes sont déterminées à révéler le monde tel qu’elles le voient, à commencer par elles-mêmes; elles sont désormais libres de se représenter d’une autre façon que les hommes. Leur regard se construit à côté du regard masculin et s’en différencie de manière à la fois tranchée et subtile. Le regard désirant de l’homme est remplacé par un regard complexe qui travaille pour la première fois la manière dont la sexualité de la femme, ses plaisirs, ses inquiétudes et ses contraintes en général, influent sur ces représentations. L’autoportrait devient le genre de prédilection car il reflète les multiples identités de ces autrices : artistes professionnelles, mères, filles, modèles, ou encore membre d’un couple d’artistes. Se représenter, et se représenter nues pour la première fois, leur permet de façonner leur propre identité. C’est là que leur regard s’affute, se mesure au passé, rêve un autre futur.
7 - Les deux amies
L’expression « deux amies » décrit une amitié forte entre deux femmes sans la présence d’hommes, ou une histoire d’amour ou un mélange d’amitié et de désir permettant aux femmes d’assumer leur bisexualité. Tamara de Lempicka, à qui cette salle est dédiée, fait partie des artistes qui vivent ouvertement leurs multiples aventures amoureuses et qui en font un des sujets de prédilection de leur art. À ce regard féminin sur le corps en général s’ajoute, dans les œuvres de Lempicka, la construction d’un regard désirant d’une femme sur le corps d’une autre femme. La Belle Rafaela sublime le corps voluptueux de l’une de ses jeunes amantes, le tableau Les Deux Amies révèle un moment de forte intimité érotique. La chanteuse Suzy Solidor, icone lesbienne, célèbre pour ses interprétations de chansons saphiques, est aussi sujet, modèle et amante de la peintre polonaise.
La littérature se fait aussi l’écho de ce nouveau sujet comme en témoignent les ouvrages présentés dans cette salle.
Dora Stroëva (Dora Concepción Wooldridge, dite) (1889-1979). Tu sais, 1927. Paroles de José de Berys et Jean Lenoir, Musique de Serge Walter et Eddy Ervande. Editions Arlequin. Déjà…., 1927. Paroles de Jean Lenoir, Musique de Elie Aïvaz. Publications Francis-Day. Si demain, 1927. Paroles de Jean Lenoir, Musique de Elie Aïvaz. Editions Arlequin. Frileuse, 1929. Paroles de Jean Lenoir, Musique de Elie Aïvaz et Dora Stroeva. Publications Francis-Day. C’est toi mon grand amour, 1925. Paroles de Jean Lenoir, Musique de Serge Walter. Editions Olivier et Cie. Papier. Collection particulière.
- Claude Cahun (Lucy Schwob, dite) (1894-1954). Inversions, dans l’art, la littérature, l’histoire, la philosophie et la science. 1ére année. N°1, 15 novembre 1924. Réédition : Paris, édition Non-Lieu, 2016.
- Ces plaisirs..., 1932. Colette (Sidonie Gabrielle Colette, dite) (1873-1954). Réédité sous le titre: Le pur et l’impur. Paris, Livres de poche, 1991.
8 - Le troisième genre
« Masculin ? Féminin ? Mais ça dépend des cas. Neutre est le seul genre qui me convienne toujours» (Claude Cahun, 1930).
Pendant ces Années folles se construit une réflexion complexe sur un « troisième genre », sur une éventuelle «neutralité», ainsi que sur la possibilité d’une transition d’un genre à l’autre. Dans quelques capitales cosmopolites, le genre est un choix, il s’agit d’une notion fluide en pleine transformation. Les travestissements connotés d’ambivalence sexuelle de Claude Cahun et de sa compagne Marcel Moore ou l’aventure du couple Wegener et leur œuvre transgenre en témoignent. Pendant toute sa vie, Gerda Wegener a peint son mari, plus connu sous son identité trans de Lili Elbe, et en a fait une vraie bataille contre toutes formes de discrimination.
Romaine Brooks est un autre exemple de peintre résistante aux normes de genre : elle réinvente de manière rigoureuse le portrait féminin en l’éloignant des codes traditionnels et de l’image de la femme fatale. Elle utilise une palette sombre et des cadrages qui mettent en valeur la figure sans aucune concession au décor. Les personnages qu’elle peint font partie du cercle de Natalie Clifford Barney, cette riche Américaine installée dans la capitale française à la fin du XIXe siècle, dont le portrait en tant qu’« Amazone » est exposé ici.
Agence Photographique RMN-GP. France, Nantes, musée d’Arts de Nantes.
9 - Pionnières de la diversité
Sans doute parce qu’elles étaient déjà à la périphérie d’un monde dont elles auraient voulu être au centre, les artistes femmes ont été aventurières, mobiles, curieuses et ouvertes à d’autres cultures. Elles ont pour certaines exporté la modernité sur d’autres continents, comme la Brésilienne Tarsila Do Amaral et Amrita Sher-Gil; elles se sont également intéressées à la représentation de la diversité. Le manque de reconnaissance dans leur pays a rendu ces pionnières particulièrement sensibles à d’autres cultures que les leurs.
Dans ce contexte créatif, Juliette Roche conçoit un déjeuner sur l’herbe moderne et multiethnique, une relecture de La Danse de Matisse, dans lequel les trois femmes assises au centre du tableau représenteraient le dialogue entre couleurs de peau, et où les danseurs androgynes annihileraient toute différence entre les sexes, évoquant l’espoir de vivre ensemble et en paix. Lucie Cousturier et Anna Quinquaud voyagent en Afrique et offrent une représentation non stéréotypée du peuple africain à travers leurs oeuvres et écrits.
France, Paris, Fondation Albert Gleizes.
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