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LA COLLECTION ALANA
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Parcours accompagnant l'article publié dans la Lettre n°485 du 18 septembre 2019 |
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Fidèle à la sensibilité originelle de ses fondateurs et en écho à leur exceptionnelle collection de peintures et de sculptures italiennes, le musée Jacquemart-André présente une sélection de plus de soixante-quinze chefs-d'oeuvres issus de la collection Alana. Reconnue par les spécialistes comme l'un des plus grands ensembles d'art italien ancien en mains privées, cette collection a été conçue par un couple d'amateurs éclairés et passionnés. Comme Nélie Jacquemart et Edouard André en leur temps, Alvaro Saieh et Ana Guzman, dont la contraction des prénoms forme le nom Alana, partagent un profond amour de l'art.
Fascinés par les grands maîtres italiens du gothique et de la Renaissance, ils ont constitué un ensemble unique, offrant un panorama exhaustif de l'art du XIIIe au XVe siècle. Leur collection s'est récemment ouverte à la peinture des XVIe et XVIIe siècles, prenant ainsi une ampleur nouvelle. Exposés pour la première fois ensemble, les tableaux de Lorenzo Monaco, Fra Angelico, Uccello, Bellini, Carpaccio, Tintoret, Véronèse, Bronzino ou Gentileschi présentent un saisissant résumé des grandes heures de l'art italien, des ors des primitifs au clair-obscur des caravagesques.
La collection Alana se distingue par la qualité des oeuvres qui la composent et également par leur présentation, conçue par M. Saieh lui-même.
Dans les espaces où les oeuvres sont conservées, la collection – qui ne se visite pas – développe un accrochage très dense, dans la tradition des grandes collections classiques et des Salons des XVIIIe et XIXe siècles. Les tableaux y forment des groupes alignés, dans un jeu de lignes droites perpendiculaires d’une surprenante rigueur géométrique. Fidèle à cet esprit, qui n’est pas sans rappeler le goût de Nélie Jacquemart dans les salles italiennes du musée, l’agencement de la première salle évoque l’extraordinaire scénographie de la collection Alana. Aux antipodes du goût actuel pour un certain dépouillement, l’accrochage, d’une profusion vertigineuse, reflète la passion des collectionneurs pour l’art italien.
Sur les deux premiers murs sont présentées des oeuvres du XIVe siècle et XVe siècle, qui sont autant d’exemples de l’effervescence artistique que connait l’Italie à la Renaissance. Sur les panneaux à fond d’or, dans la continuité du style gothique, s’expriment déjà les innovations stylistiques propres au Trecento et au Quattrocento : le travail subtil de l’or, le raffinement des détails et surtout l’attention nouvelle portée aux figures, tant dans leur physionomie que leurs postures. Des éléments architecturaux font leur apparition et gagnent en complexité, les artistes cherchant à expérimenter de nouvelles représentations de l’espace. Le troisième mur réunit essentiellement des oeuvres du XVIe siècle, période qui constitue un centre d’intérêt plus récent pour les collectionneurs. Tout en témoignant de la variété stylistique des différentes écoles picturales italiennes, ces oeuvres attestent d’un même goût pour la finesse d’exécution et le traitement virtuose des formes et des couleurs. Elles révèlent ainsi, en filigrane, le dénominateur commun présidant au développement de la collection.
Lorenzo Veneziano (Venise, documenté de 1353 à 1379). Sainte Catherine d’Alexandrie, vers 1368. Tempera et or sur bois. Collection Alana, Newark, DE, États-Unis.
Lorenzo Veneziano (Venise, documenté de 1353 à 1379). Saint Sigismond de Bourgogne, vers 1368. Tempera et or sur bois. Collection Alana, Newark, DE, États-Unis.
et saint Michel archange, années 1450. Tempera sur bois, 200,7 x 215,9 cm, le cadre n’est pas d’origine.
Collection Alana, Newark, DE, États-Unis. Photo : © Allison Chipak.
Huile sur panneau, 70,5 x 109,8 cm. Collection Alana, Newark, DE, États-Unis. Photo : © Allison Chipak.
2 - Les ors des primitifs italiens, avant la Renaissance
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Au XIIIe siècle, les influences culturelles s’entremêlent : les peintres s’inspirent de l’art byzantin stylisé (Huit scènes de la vie du Christ, peintre romain du XIIIe siècle), tout en se montrant attentifs aux innovations artistiques (Vierge à l’Enfant, Maître de la Madeleine). Leurs oeuvres traduisent un même désir, celui de retrouver une relation plus directe avec Dieu et de raconter l’histoire des hommes, la foi qui les anime et l’amour de la nature qui les entoure.
Les peintures et sculptures du XIVe siècle de la collection Alana rendent compte de la variété des langages figuratifs de la péninsule. Les plus grands centres artistiques toscans sont représentés, et en premier lieu Florence à travers le raffinement de Bernardo Daddi et la somptuosité de Niccolò di Pietro Gerini. Sont également documentés l’art de Pise, avec la splendide Sainte Catherine d’Alexandrie peinte par Francesco Traini, et celui de Sienne, avec les oeuvres délicates de Pietro Lorenzetti et Luca di Tommè. La mise en regard de ces chefs-d’oeuvre offre un aperçu magistral de l’art toscan à l’aube de la Renaissance.
3 - La première Renaissance florentine, une nouvelle conception de l'art
À l’aube du XVe siècle, Lorenzo Monaco est le plus grand peintre de Florence. Formé dans la tradition giottesque, il abandonne celle-ci au profit du style sinueux et élégant du gothique international. Son Annonciation en donne une extraordinaire interprétation, tant par la richesse des couleurs que par la douceur des gestes.Parallèlement à ces déclinaisons modernes et imaginatives du style gothique, émerge une nouvelle tendance picturale, reflétant les innovations des sculpteurs florentins. Les peintres développent un intérêt croissant pour la plasticité des formes, comme le montrent la Viergeà l’Enfant de Paolo Uccello et le Saint Jean l’Évangéliste du jeune Filippo Lippi, figure quasisculpturale marquée par une poignante expression de souffrance. Sa silhouette, modelée par la lumière, témoigne d’une maîtrise spatiale également à l’oeuvre dans le Saint Sixte de Fra Angelico.
Ces recherches s’accompagnent d’une appropriation progressive des principes de la perspective, traduction picturale des avancées esthétiques et culturelles contemporaines. De nouveaux sujets, inspirés non plus de l’histoire religieuse mais des textes antiques, font leur apparition. Le panneau du Scheggia représente un épisode de l’Histoire de Coriolan, figure légendaire de la République romaine, dans une scène narrative qui évoque le goût de la bourgeoisie florentine pour l’histoire antique.
Tempera et or sur bois, 43 x 155 cm. Collection Alana, Newark, DE, États-Unis. Photo : © Allison Chipak.
4 - La spiritualité florentine à la fin du XVe siècle
La spiritualité florentine de la fin du siècle est dominée par la figure de Savonarole, un frère dominicain, prédicateur et réformateur, qui instaure une forme de dictature théocratique entre 1494 et 1498. En écho à ces bouleversements politiques se développe une nouvelle sensibilité artistique, qui reflète le climat de fervente dévotion pénitentielle qui règne alors à Florence. Le Christ en croix du Maître des monuments gothiques, collaborateur de Botticelli, propose une interprétation du nouvel idéal esthétique prêché par Savonarole, qui trouve sa pleine expression dans le Christ en homme de douleurs de Cosimo Rosselli. Son exécution minutieuse et son réalisme favorisent une méditation compatissante sur les souffrances de Jésus. Ces images, sans doute destinées à la dévotion privée, donnent à voir toutes les facettes de l’art florentin au long du XVe siècle, et confirment que la collection Alana allie le plaisir du collectionneur à celui de l’historien.
5 - La grande peinture vénitienne
la variété des langages figuratifs italiens.
Vers la fin du XVe siècle, les peintres abandonnent progressivement la tempera (peinture à l’oeuf) pour la peinture à l’huile et changent également de support, les panneaux de bois faisant place à des toiles. Ces évolutions techniques ont un impact majeur sur la pratique picturale à Venise, qui se distingue au XVIe siècle par une approche centrée sur la couleur plutôt que sur le dessin. Au début du siècle, un certain luminisme, typiquement vénitien, se dégage déjà de la Crucifixion de Savoldo, quoique très marquée par une influence nordique.
C’est au cours de la deuxième moitié du XVIe siècle que la peinture vénitienne connaît un véritable âge d’or. Dans la lignée de Titien, Tintoret, Véronèse ou Jacopo Bassano multiplient sur leurs toiles les effets de pinceau, avec une grande liberté de facture. Il règne une intense émulation entre ces artistes qui rivalisent d’inventivité et grâce auxquels l’école vénitienne connaît son apogée. Ces trois artistes se passionnent pour le rendu de la lumière, mais confèrent chacun une atmosphère particulière aux compositions : Bassano s’approprie le genre pastoral et introduit le quotidien dans ses scènes religieuses (Adoration des bergers), Tintoret affectionne quant à lui les effets dramatiques (Épisodes d’une bataille), tandis que Véronèse joue sur les contrastes entre ombre et lumière (Saint Pierre et Saint Paul).
Huile sur toile, 146 x 230,7 cm. Collection Alana, Newark, DE, États-Unis.
6 et 7 - Splendeurs à la cour des Médicis, la « Belle manière » moderne
gardent de l’importance dans les décennies qui suivent, comme en témoigne l’autel portatif de dévotion personnelle réalisé par Franciabigio.
Ce n’est qu’en 1512 que les Médicis, qui avaient fui en 1494, sont autorisés à revenir à Florence. Leur reconquête politique se fait en plusieurs temps, mais leur dynastie s’impose finalement en 1530. En cette période troublée, les arts conservent une place capitale à Florence. Le genre du portrait est particulièrement mis à l’honneur et permet à certains peintres de donner la pleine mesure de leur talent. Celui de Pontormo éclate ainsi dans le Portrait d’un joueur de luth, tant dans le traitement virtuose de son habit que dans l’expressivité de son visage.De retour au pouvoir, les Médicis assoient leur autorité en concevant une habile politique de légitimation par l’image qui connaît son apogée avec Cosme Ier. C’est à Bronzino qu’est confié le soin de concevoir le nouveau langage pictural du duché. Il le développe dans ses peintures religieuses comme le Saint Côme, dont le profil évoque celui de Cosme Ier, mais aussi dans les effigies officielles du duc, d’une grande majesté.
Le faste médicéen est également mis en scène par Giorgio Vasari, qui entre au service de Cosme Ier en 1554 et tient une place centrale dans la production artistique florentine. Il est connu pour ses Vies, ouvrage fondateur de l’histoire de l’art de la Renaissance, dans lequel il exalte une peinture de cour, élégante et précieuse, supérieure à la nature et aux modèles antiques. Artiste accompli, il est, avec Pontormo et Bronzino, l’un des plus grands représentants de cette « maniera moderna », à l’oeuvre dans son Salvator Mundi et son Allégorie des fruits d’automne.
8 - Le Baroque, une révolution picturale
L’un des premiers artistes à mettre en application les principes du Concile de Trente est Annibal Carrache. Avec son frère Agostino et son cousin Lodovico, il formalise les premiers traits d’un mouvement artistique qu’on appellera le baroque.
Fondé sur la recherche d’un réalisme expressif, ce style pictural joue sur les effets dramatiques, l’exagération du mouvement, l’exubérance des formes et des couleurs, caractéristiques à l’oeuvre dans L’Annonciation de Carrache et plus encore dans celle peinte sur albâtre par Orazio Gentileschi.Au début du XVIIe siècle, le caravagisme offre un autre visage du baroque en peinture. A la suite du Caravage, qui révolutionne l'art par son approche novatrice du réalisme, nombreux sont les artistes qui proposent des déclinaisons de son audacieux clair-obscur. La Vierge et l'Enfant de Gentileschi font écho au naturalisme lumineux des premières oeuvres romaine de Caravage, tandis que Manfredi adopte dans sa Scène de taverne le clair-obscur puissant de la maturité de son prestigieux prédécesseur. Dolci verse quant à lui avec sa Sainte Agathe dans une veine plus sentimentale de la peinture baroque.
Avec cet ensemble, composé d'acquisitions plus récentes, la collection Alana aborde une nouvelle page de l'histoire de l'art italien. Ces oeuvres d'une grande intensité donnent à voir plusieurs facettes d'un des courants majeurs du XVIIe siècle et confirment la richesse d'une collection en perpétuelle évolution.
Collection Alana, Newark, DE, États-Unis. Photo : © Allison Chipak.
